Dicas de Fotografia

Encontrar sua especialidade pode ser difícil para qualquer profissão, mas o conselho vago de precisar de um nicho como fotógrafo – embora importante – é inútil em isolamento. O começo para um fotógrafo é excitante; você está tirando fotos de tudo e de todos e aprimorando suas novas habilidades. 

Isso pode ser acompanhado por uma noção distante de querer transformá-lo em uma carreira ou em uma confusão lateral, mas você ainda está no estágio de diagnóstico. Não há necessidade de se apressar para estreitar seu foco; Realize a cirurgia exploratória de sua fotografia gradualmente. No entanto, quando estiver pronto, é isso que recomendo que você faça.

1) O Que Você Está Desenhado Para?

Em minha opinião e por causa da longevidade, seu nicho raramente deve ser decidido pela demanda primeiro, e sim pelo que você é habitualmente atraído. Para mim, houve alguns. Eu tive e ainda tenho um caso de amor com retratos. 

No entanto, o que me levou para a fotografia, em primeiro lugar, foi um fotógrafo em um fórum de carros antigos, captando imagens macro de insetos. Eu estava fascinado e queria aprender a fotografar as coisas de perto. 

Tente não se limitar demais a esta etapa. Se você gosta de retratos e animais de fotografia, não decida imediatamente que você vai criar exclusivamente nus artísticos de cabras.

2) Quais Variações Deste Gênero Existem?

Em primeiro lugar, há mais do que você pensa. Em segundo lugar, há mais do que você está ciente. Sente-se e escreva uma lista de todos os modos possíveis pelos quais seus gêneros favoritos podem ser aplicados. Se é retratista, há headshots, fine art, moda, editorial, fotojornalismo e assim por diante.

Meu processo de pensamento foi bastante simples. Eu gostava de macro e tinha desenvolvido esse conjunto de habilidades. O que você pode tirar fotografias macro de? Insetos Isso vai ser difícil de vender. O que é pequeno e tem marcas? Joalheria. Bingo.

3) Como Você Pode Oferecer Valor A Esta Área?

Muitos de nós – e eu costumava ser terrível para isso – olham para o mundo do trabalho para ver o que eles podem tirar disso. Em vez disso, você precisa verificar o valor que pode adicionar a qualquer área escolhida para entrar. Por que alguém te pagaria para filmar esse nicho que você está descobrindo? 

Se você não puder responder imediatamente a esta pergunta, não se desespere. Às vezes, até mesmo um nicho exige maior aperfeiçoamento para encontrar seu ângulo, especialmente se for um campo competitivo.

Para mim, eu amo relógios e tenho desde a infância. Eu também conhecia uma quantidade razoável de horologia e por isso senti que poderia combinar isso com macro e minhas técnicas de empilhamento de macros para melhor mostrar os relógios.

4) Quão Difícil é A Entrada Neste Campo?

Mesmo sabendo instantaneamente o gênero que você ama, encontrou a variação certa e está confiante de que você tem um serviço valioso a oferecer, você está um tanto longe de estar em casa e seco. O próximo passo é encontrar alguém para pagá-lo para trabalhar dentro de seu nicho, e este passo varia muito em dificuldade devido a uma série de fatores. Como uma área competitiva é, será um dos maiores obstáculos a superar, mas cada extremo é uma faca de dois gumes.

Se o mercado estiver superpovoado e houver fotógrafos à esquerda e à direita tentando dominar o nicho, talvez seja difícil destronar pessoas ou obter algum reconhecimento. Ao mesmo tempo, ele indica que não  é  uma boa quantidade de demanda e você só precisa ter o seu pé em poucos portas. 

Se houver muito poucos fotógrafos trabalhando em seu nicho desejado, há uma chance com o trabalho certo de que você pode ser o líder no campo. No entanto, você precisa investigar seriamente  por que há tão poucos? Talvez eu seja ingênuo, mas acredito que você pode fazer a maioria das áreas funcionar para você, se for inteligente.

5) Como Você Pode Garantir Seu Primeiro Emprego?

Agora vem o passo em que há tantos conselhos quanto câmeras. Alguns dirão para você fazer o trabalho de graça, alguns dirão para você “fingir até conseguir”, alguns lhe dirão para construir um portfólio e colocar seu nome lá fora. Verdade seja dita, nenhuma resposta é comprovadamente errada ou correta. Eu peguei um caminho que passa entre e parcialmente através de todos eles, e é um dos que parecem mais pragmáticos para mim. Foi assim:

1. Crie algumas imagens de sua própria vontade para ter um exemplo de trabalho para mostrar.
2. Colete os detalhes de pequenas e novas empresas com as quais você gostaria de trabalhar.
3. Calcule uma taxa que não impeça as pessoas de correrem riscos, mas não é um desperdício de tempo.
4. Entre em contato por telefone e e-mail com todas as empresas que você encontrou e ajuste um lance para cada uma delas.
5. Garanta o primeiro emprego e use-o como alavanca para abordar outras empresas.

Vou desfazer esses pontos um pouco mais. Criar um pequeno portfólio de imagens de alta qualidade para mostrar às empresas é crucial. Há um risco em um cara novo, e então há risco cego. Prove que você pode criar o trabalho de um padrão desejável em seu próprio centavo, e isso vai pagar dividendos.

Procurar empresas e pequenas marcas para abordar não poderia ser mais simples na era moderna. Não use apenas o Google, use hashtags e tags de localização nas mídias sociais também. O Instagram é uma ferramenta fantasticamente poderosa para esse tipo de coisa, e os Mestres não são profissionais, então sinta-se à vontade para usá-los também. 

Alguns podem aconselhar “mirar alto” e abordar as grandes empresas. Você é bem-vindo para fazer isso, e eu fiz isso, mas para superar os guardiões dos gateways, tive conexões com a indústria, persistência e prova social, o que levou tempo.

Trabalhar com uma taxa não é tão difícil quanto as pessoas percebem. Faça o seu melhor para descobrir quanto tempo você levaria para concluir seu trabalho desejado e voar próximo a ele inicialmente. Se você está cobrando mais do que você acha que seu trabalho vale a pena, você será descoberto mais cedo ou mais tarde. Você pode conseguir um bom trabalho ou dois, mas é improvável que você construa uma carreira de sucesso sangrando até o último centavo que conseguir com as pessoas.

A parte de contato é aparentemente fácil, mas é crucial que você acerte. Se você ignorar tudo o mais que eu digo, apenas observe o conselho deste pequeno parágrafo. Personalize cada e-mail, DM ou telefonema para a empresa que você está se aproximando. Pesquise sua história, seus produtos, seu mercado, sua estética e discuta-a. 

Se você não pode ser incomodado para fazer isso e você apenas copiar e colar uma mensagem para cada endereço de e-mail que você pode encontrar, você não vai chegar a lugar nenhum e, francamente, você não merece. Seja aberto e honesto sobre ser novo na área e querer se estabelecer na indústria, e por que você os escolheu. Fingir que você já é e influenciador é transparente e facilmente desmentido por qualquer pessoa que pensa.

Realmente só leva um. Alguém lhe dará um tiro mais cedo ou mais tarde. Eu tive muita sorte e a primeira marca com quem falei me contratou, e o mesmo aconteceu com o quarto. No entanto, isso nem sempre é o caso e você precisa ter paciência. Um aspecto do meu nicho do qual tenho orgulho é minha taxa de resposta de contato frio. 

Como eu gasto o tempo para escrever mensagens pessoais que estão bem informadas sobre a imagem e os objetivos da minha perspectiva, poucas pessoas a ignoram. Na verdade, muito raramente recebo “não” definitivo para meu contato, e meu banco de dados sugere que isso aconteceu apenas em torno de 4% do tempo.

Conclusão

Encontrar um nicho pode não só fazer toda a diferença para a receita da sua empresa, mas também para o cumprimento da sua carreira. É ótimo ser um especialista em uma área e, para mim e para muitos outros fotógrafos com quem conversei, quanto mais fundo você for em seu nicho, mais diversificado se tornará. 

Desejo-lhe boa sorte e, se tiver alguma dúvida, assegurarei-me de respondê-la nos comentários. Se, no entanto, você desenvolveu seu próprio nicho, talvez compartilhe também suas palavras de sabedoria nos comentários!

Você está cometendo esses erros de edição e, potencialmente, arruinando suas fotos ?

Um foto de beleza é exatamente o que parece: uma fotografia destinada a mostrar a beleza do assunto. Existem vários subgêneros no âmbito da fotografia de beleza, incluindo foto, editorial, comercial e criativa. 

Cada um terá requisitos ligeiramente diferentes, dependendo do objetivo a que se destina, por exemplo: a beleza comercial é geralmente hiper-perfeita, onde “imperfeições” na pele, incluindo características permanentes, como sardas e toupeiras, são removidas, para mostrar algo como um “ideal de beleza” ao vender um produto, como skincare ou maquiagem. 

fotos de beleza terão como objetivo reter essas marcas de identificação e remover apenas manchas temporárias e enfatizar coisas como rugas ou bolsas sob os olhos, e geralmente são para um cliente pessoal.

A primeira coisa que você precisa saber antes de iniciar um retoque de beleza é o tipo de imagem em que está trabalhando, para que você possa atender a esses padrões. Os erros neste artigo, no entanto, são erros em toda a linha. Evite estes se você quiser que seu foto de beleza seja adorável e crível.

Para esses exemplos, estou compartilhando um conjunto de fotos de beleza que devem ser limpos de distrações, mas não hiper perfeitos. Eles devem manter um senso de realismo. 

Pele hiper-macia

                                                               

Esse erro é fácil de fazer e, na maioria das vezes, cometido por iniciantes. Muitas vezes é um resultado do uso de ações de filtro na pele (seja através de técnicas como Separação de Frequência ou ações compradas que automatizam o amolecimento), mas também pode acontecer quando alguém se entusiasma demais com esquiva e queima. 

A pele deve parecer que pertence a um ser humano real, o que significa que a textura pode ser limpa, mas não deve ser apagada; a pele humana ainda deve parecer com a pele humana.

Close up da pele e das camadas e ferramentas de edição regulares da pele.

Se você quiser evitar isso, lembre-se de KISS Keep It Simple, Stupid. Não tente usar várias ações e programas que só exacerbam o problema empilhando o efeito em cima do efeito; tudo o que você realmente precisa para limpar a pele é Healing / Cloning e Dodge and Burn. 

Limpe a textura da pele com a ferramenta de cura ou clonagem em uma camada vazia definida como “Current and Below” e use Dodge e Burn (prefiro fazer isso com camadas de ajuste de curvas mascaradas) para uniformizar as transições de luz na pele . 

Certifique-se de começar a se esquivar e queimar com menos zoom, para que possa ver como o efeito está afetando a pele e, em seguida, aplique mais zoom para resolver mais problemas de pele locais. Certifique-se de diminuir o zoom com frequência para evitar exagerar. Não se esqueça que também há pele no pescoço, tronco, braços e mãos.

Sinais De Que Você Pode Ter Ido Longe Demais

• A textura da pele desapareceu completamente e o rosto parece pertencer a uma vitrine de loja de departamento
• A textura parece estar “flutuando” acima da cor ou, de outra forma, não está ligada à cor
• A cor da pele é cinza em torno das bordas em áreas como na linha do cabelo nas laterais do rosto ou braços. 

Sem PáLpebras Inferiores

Evite remover a pálpebra inferior. Sinta-se à vontade para limpar rugas que causam distração, cabelos soltos, manchas, etc., mas, pelo amor de Deus, por favor, deixe a pálpebra intacta.

Sinais De Que Você Pode Ter Ido Longe Demais

• O assunto parece que eles estão apertando os olhos quando não estão
• A bochecha se estende até o olho inferior sem definição visível entre o olho e a bochecha, como um personagem de desenho animado
• A textura da pele da pálpebra inferior desaparece, parece suave, ou como a textura da bochecha, em vez de textura da área do olho. Essas duas texturas não são as mesmas, a propósito, porque a pele em cada área é diferente. A menos que você seja um andróide.

Olhos Nucleares

Os olhos também terão sombras por causa da forma do globo ocular e dos ossos e da pele que o rodeiam. Não remova essas sombras, elas devem estar lá. Tenha também cuidado em dar aos seus assuntos super contrastantes, super afiadas, de outra forma, íris de aspecto desumano. 

Os olhos são incrivelmente importantes e, como a pele, devem parecer pertencer a pessoas reais. Você pode remover quaisquer veias que distraiam, chicotear a íris, preencher os cílios e iluminar um pouco a íris, se necessário, mas deixe os olhos permanecerem olhos humanos.

Sinais De Que Você Pode Ter Ido Longe Demais

• A esclera parece um ovo cozido, perfeitamente branco
• Os olhos são a parte mais brilhante do rosto, e brilham para o espectador como o assunto foi possuído por Cyclops … sim, isso é uma referência XMen
• A íris é uma cor que não é humanamente possível

Demasiado Esquivar E Queimar

Sinta-se à vontade para adicionar contraste e transições suaves, mas somente conforme necessário, aumente a profundidade. Quando a esquiva e a queima alteraram as características do sujeito, alteraram sua estrutura óssea ou fizeram com que parecessem mais uma ilustração do que uma fotografia de uma pessoa, provavelmente é hora de colocar a caneta para baixo.

Acenda a iluminação primeiro, para que você não entre e trate o rosto do sujeito como um pedaço de argila. Certifique-se de melhorar o atual cenário de iluminação, e não criar um novo, e tenha absoluta certeza de que não está alterando a estrutura óssea do paciente ou alterando suas características. 

Quando Você Pode Ter Ido Longe Demais

• O assunto parece que eles estão vindo para você em HDR 3D
• Você mudou a estrutura óssea do sujeito
• Sombras e destaques mudaram significativamente de cor, distraem ou desumanizam

Sim, as pessoas que retocam qualquer tipo de fotografia em qualquer gênero podem cair nesses erros, simplesmente porque são mais notáveis ​​na fotografia de beleza porque, bem, a beleza é o ponto principal da imagem.

As fotografias são tiradas com o zoom apertado, com a face e a parte superior do corpo preenchendo o quadro. Um espectador pode não notar uma pele excessivamente macia em um foto ambiental, mas você não pode perdê-lo em uma fotografia de beleza.

Para ser justo, leva muito tempo para aprender a retocar corretamente a fotografia de beleza em qualquer encarnação, e se você estiver cometendo esses erros comuns, não se segure! Todo mundo começa em algum lugar, e posso garantir que fiz (e ainda faço) muitos erros. O truque é aprender a reconhecê-los e ter cuidado sobre como cada técnica é aplicada. 

Se você tiver alguma dúvida sobre como deve ser uma foto de beleza maravilhosamente retocada, estude as pessoas que estão fazendo o que você quer fazer, sejam fotos de beleza, beleza editorial ou beleza comercial, e faça comparações. Olhe para a pele, o cabelo, os lábios, os olhos, a cor, a textura e a luz. 

Descubra como suas edições são diferentes e tente fazer ajustes. Obtenha feedback de pessoas que são retouchers melhores e mais experientes do que você. Acima de tudo, Dê tempo a si mesmo. Você vai chegar lá.

A fotografia de alimentos é um gênero fácil de ignorar, mas é um campo que oferece uma enorme quantidade de possibilidades criativas, sem escassez de assuntos atraentes, variados e coloridos. 

Ele também oferece a possibilidade de capturar imagens de comida profissionalmente, como cozinhar e assar são passatempos imensamente populares, e há uma demanda constante por imagens para revistas, livros e sites. 

No entanto, para obter sucesso na fotografia de alimentos, você precisará de uma boa compreensão da teoria e das técnicas envolvidas, e terá que estar preparado para praticar – como acontece com outros tipos de fotografia, é mais complicado do que parece. 

A fotógrafa profissional de alimentos Ewen Bell explora os equipamentos e as principais técnicas que você precisa para fotografar imagens culinárias bem-sucedidas, além de compartilhar alguns truques do comércio.

(Imagem: © Ewen Bell)

1. Trabalhe Com Boa Luz

O erro mais comum é tentar fotografar alimentos bonitos com pouca luz. Câmeras veem luz, não assuntos, mesmo quando esse assunto é delicioso! 

A fotografia de comida sempre começa com a luz. A luz perfeita é suave, abundante e angulada. Você quer muita luz para brincar, mas você definitivamente não quer que a luz solar direta flua para a cena; é muito duro e muito contrastante. A melhor mesa do restaurante tem o assento da janela, com luz do dia brilhante do lado de fora e apenas a luz filtrada que passa. 

Este cenário transforma a janela em uma grande caixa de luz, enchendo a mesa com luz útil que oferece uma variedade de ângulos de disparo. O ponto de partida é atirar em um ângulo ao longo da fonte de luz. Esse ângulo dá contraste suficiente para revelar detalhes na cena e traz as cores. 

Você não precisa preencher o lado oposto da cena com uma placa de rejeição ou flash de preenchimento, porque você pode iluminar áreas subexpostas das imagens brutas ao processar os arquivos – geralmente é mais rápido e preciso ajustar os arquivos raw do que tentar obtê-lo perfeito na câmera. 

Conforme você altera seu ângulo, cria uma qualidade de luz diferente para a cena. Quanto mais você atira na luz, mais contraste e drama você constrói. A riqueza de cores é reduzida, os negros são endurecidos e algumas áreas podem até explodir, e isso é aceitável com o propósito de estilo, se drama é o que você está procurando. 

Alternativamente, quando você muda seu ângulo para ter a luz vindo um pouco mais atrás de você, a cena se enche mais e o contraste se achata. Ao controlar o ângulo em que você fotografa em relação à janela, você controla o contraste e a cor também – mesmo quando a luz é muito, muito suave. 

Não importa quão incrível sua comida pareça em um prato se a luz não estiver funcionando para você – boa comida em luz ruim faz fotos malsucedidas. Na luz certa, por outro lado, quase qualquer cena pode parecer convidativa.

2. Editando Suas Fotos 

O tratamento dos seus arquivos RAW é tão importante quanto a filmagem. As cores mais naturais geralmente resultam da falta de saturação, ou até mesmo de puxar um pouco para trás; Se você está lutando com o equilíbrio de cores, é provável que você tenha a saturação discada muito alto. 

Em uma luz muito plana, você pode precisar aumentar um pouco o contraste para dar uma dureza às bordas – adicionar contraste apenas na ponta preta do histograma ajudará a preservar os tons em outras partes da cena. 

Além disso, detalhes de sombra podem ser levantados para equilibrar a cena. Certifique-se de usar ajustes seletivos para adicionar exposição ou mais detalhes de sombra, se os elementos críticos forem perdidos na sombra.

(Imagem: © Ewen Bell)

3. Considere Flash

O problema de confiar na luz natural ao fotografar alimentos é que nem sempre é natural. Os moldes de cores podem ser lançados em toda a cena por árvores externas, as luzes internas podem adicionar pontos coloridos à sala e o movimento das nuvens ao longo do dia pode causar mudanças drásticas no contraste e nas temperaturas da cor. 

Você nunca conseguirá uma luz branca agradável e limpa, a menos que você a traga. O equipamento de flash trará consistência à sua fotografia e reduzirá o esforço de processamento. Strobes confiáveis ​​fornecem a cor e a quantidade exata de luz de um quadro para o outro. 

Se você estiver gravando conteúdo em vários dias, mas precisar que a aparência de cada quadro seja consistente, o flash do estúdio é o caminho a ser seguido. 

Além de ser muito prático e confiável, uma vez que você tenha o seu equipamento de flash sob controle, estará livre para se concentrar em sua criatividade. Escala é crítica aqui. Assim como desfrutamos de luz suave, abundante e inclinada no assento da janela de um restaurante, tentamos alcançar o mesmo resultado no estúdio. 

Uma grande caixa de luz é necessária, alimentada por uma fonte de luz com capacidade suficiente. 100W de flash é mais que suficiente para filmar uma cena de mesa e extrair momentos de inspiração dentro dela. 

Os flashguns movidos a bateria podem fazer o trabalho, mas você queimará as baterias e elas serão dolorosamente lentas para regenerar à medida que a energia for drenada. Pelo mesmo preço que um flash decente, você pode comprar kits monobloco que oferecem uma unidade plug-in com um receptor embutido; basta ligar à corrente eléctrica e encaixar a unidade de gatilho na sua câmara e está pronto para o fazer. 

Uma fonte de luz confiável é essencial, e por isso é importante considerar como você deseja moldar a luz. Softboxes para fotografia de alimentos devem ser muito grandes e oferecer grandes quantidades de difusão interna. Você precisa colocar o softbox perto da cena, o mais próximo possível para manter a luz o mais difusa possível. 

Se suas caixas de modelagem de luz não forem suaves o suficiente, e muito contraste estiver chegando à cena, basta adicionar uma tela de difusão adicional entre a comida e o flash.

(Imagem: © Ewen Bell)

4. Pare O Movimento

A iluminação consistente da engrenagem de flash do estúdio é perfeita para fazer clipes curtos de stop-motion da montagem passo-a-passo ou apresentação de um prato. 

Bloqueie a câmera em um tripé e bloqueie o foco e a exposição – você precisa que estes sejam os mesmos para todas as cenas. Faça pequenos ajustes entre os quadros para imitar uma cena em movimento. 

Processe os arquivos brutos com perfeição antes de produzir os quadros individuais, depois traga as fotos para a ferramenta de edição de vídeo e use transições suaves para suavizar o movimento.

(Imagem: © Ewen Bell)

5. Toda A Magia Acontece A 50Mm

O campo de visão de uma lente de 50 mm é o ponto ideal para fotografias de natureza-morta, incluindo alimentos. À medida que seu campo de visão aumenta, como 35mm, você começa a ter problemas de perspectiva, e quanto mais você fotografa, mais perto você precisa chegar, o que pode exagerar ainda mais a perspectiva. 

Também fica difícil controlar o fundo com uma lente mais ampla; você nem sempre quer que o resto da sala seja puxado para o quadro. 

Estreitar o campo de visão com uma lente telefoto também pode ser um problema. Comprimentos focais mais longos, como 100 mm, comprimem a cena – você pode perder a sensação de profundidade e suas composições podem parecer planas. 

Lentes mais longas também criam problemas logísticos quando você está trabalhando em espaços confinados, pois você pode não ter espaço para recuar o suficiente para um tiro. 

Tudo funciona muito melhor quando você começa com 50mm. Se você está fotografando em um sensor full-frame, a outra vantagem de 50mm é que existem muitos primos acessíveis no mercado. 

Uma abertura de f / 2 é ideal, e é tentador usar um 24-70mm f / 2.8 se você já tiver um, mas então você não estará aproveitando o efeito total de uma lente prime em f / 2 – e você também tem que lidar com uma lente grande e desajeitada que pode ser um obstáculo ao seu processo criativo. 

A lente equivalente para câmeras APS-C é de 35mm f / 1.4, ou para câmeras de micro quatro terços, 25mm f / 1.4. quanto menor o sensor da sua câmera, maior a profundidade de campo que você obtém em um determinado f-stop, então você pode querer experimentar ir até f / 1.4 em vez de f / 2 com esses corpos de câmera menores. A diferença entre f / 2 e f / 2.8 é significativa para o bokeh de fundo e é ainda mais pronunciada em f / 4. 

Filmar superficialmente significa chamar a atenção para um elemento da cena, e o grau em que você derrete o resto da cena é essencial para a sua composição. 

Sua profundidade de campo se expande à medida que você se afasta do objeto também, então quanto maior a cena que você fotografa a 50 mm, mais ao sul você pode ter que soltar o f-stop para obter o grau desejado de desfoque. 

Fotografar em f / 4 pode parecer dramático quando seu quadro é do tamanho de uma xícara de chá, mas oferece impacto zero quando você recua para capturar uma configuração de tabela completa.

(Imagem: © Ewen Bell)

6. Considere escala

O truque para construir composições mais ricas e detalhadas com vida e comida é dar um passo atrás e trazer mais para o quadro, não menos. Não é apenas uma questão de lentes diferentes, é uma perspectiva diferente; Pensar maior é melhor. Ficamos obcecados com o que está no prato, sem perceber que há uma cena maior em oferta. 

Ao voltar um pouco, você se vê atirando na mesa, não no prato. Agora você tem opções para suas composições. Recue um pouco mais e você tem um restaurante, não apenas a mesa. Em cada nível de escala, você obtém diferentes opções de composição. 

Recuando permite colocar o prato em um contexto maior, com espaço para incluir uma sensação de lugar. Ao trabalhar no estúdio, é um erro comum manter a escala pequena. Limitar-se a uma fração de um banco, ou a um pequeno pedaço de madeira compensada que você pintou para parecer madeira desgastada, está limitando sua criatividade também. 

Para grandes resultados, você precisa pensar maior que uma caixa de pão. Expandir a escala de sua zona de tiro também permite que você crie espaço para vários pratos. Uma placa oferece muito menos opções do que duas ou três. 

Com múltiplos do mesmo prato em uma mesa ou bancada de estúdio, você cria o potencial para composições em camadas. À medida que você se movimenta, encontra cenas dentro da cena e esses múltiplos de um prato oferecem vários momentos de inspiração. 

(Imagem: © Ewen Bell)

7. Inclua Um Pouco De Ação

Além disso, a preparação da comida e as pessoas que a preparam são ótimos elementos para incluir em uma série de fotos. Sujo é mágico; uma sensação do caos em uma cozinha, ou ingredientes em uma bancada, acrescente interesse.

(Imagem: © Ewen Bell)

8. Estilize O Tiro 

O estilo é uma habilidade dedicada – em uma sessão comercial, o estilista pode ganhar mais do que o fotógrafo. Estilistas fornecem seus adereços e idéias, e normalmente o conceito das filmagens gerais é mais importante em suas mãos. 

O fotógrafo terá que assumir a liderança, manipular a luz a seu favor e garantir que a cena final seja tecnicamente competente. 

Como fotógrafo, é uma alegria trabalhar com um bom estilista, porque eles carregam muito da carga criativa. Com o estilista preparando a cena, você é capaz de dedicar sua atenção à tarefa de encontrar a composição ideal – para uma pessoa lidar com a fotografia e o estilo pode ser exigente, já que seu cérebro está pulando entre duas tarefas e você pode não ser capaz de concluir com êxito a sua satisfação. 

Eu gosto de ‘filmar a cena’ quando visito um restaurante ou outro local. Peço aos funcionários que ponham as mesas do jeito que fariam para convidados, e que apresentem pratos com vinhos servidos – quero ver como eles apresentam seu trabalho. Com uma mesa completamente vestida, começo a procurar elementos dentro da cena. 

Eu busco um ‘herói’ e desenterro composições que puxam através de múltiplos elementos. E então eu poderia começar a estilizar a mesa um pouco – não muito, só um pouco. Eu faço ajustes, removo distrações e adiciono camadas ao plano de fundo. Eu faço isso com fotos de locação e quando trabalho com um estilista no estúdio. 

Reunir essas duas abordagens gera diversidade nas imagens que você pode coletar e abre as portas para composições inovadoras que são inesperadamente recompensadoras.

(Imagem: © Ewen Bell)

9. Lembre-Se De Usar Adereços

A chave para um ótimo estilo de comida é ter adereços à mão para complementar a cena. Se você está planejando filmar muito no estúdio, você vai querer começar a colecionar alguns acessórios interessantes para apimentar suas cenas. 

Ingredientes para uma receita podem ser usados ​​como adereços, bem como louças e talheres. As pessoas podem agir como adereços também. Pense nas mãos envolvidas na cena, ou talvez a equipe da cozinha manipulando um prato – escalando para filmar mais amplamente, permite espaço para trazer esses acessórios para a composição. 

O suporte direito pode adicionar contexto a uma cena, como um pote de chá e xícaras ao lado de uma fatia de bolo. Adereços também podem ser usados ​​para adicionar cuidadosamente cores específicas a uma cena que embeleze o assunto principal.

(Imagem: © Ewen Bell)

10. Assuma O Controle Total

A comida não precisa puxar uma pose ou entregar uma expressão; fica lá e silenciosamente aceita a atenção sem se mover. Dentro dos limites, é claro – tome cuidado com o sorvete, pois ele pode derreter em minutos se você não estiver pronto para o tiro.

A escala e a natureza inanimada da fotografia de alimentos significam que você tem excelentes oportunidades de composição. É um ótimo gênero para explorar o uso da cor, perspectiva e repetição. 

Não pense que você precisa de todas as cores do arco-íris presas em um único quadro – em vez disso, tente trabalhar inicialmente com uma paleta de cores limitada e encontre formas de repetir as cores pela cena. E use mais de um prato no seu estilo, aproveitando uma escala maior e idéias maiores. 

A fotografia de alimentos se presta a tethered shooting, e é uma boa idéia trabalhar com um laptop e cabo de ligação quando no estúdio ou no local. É uma grande vantagem se comparada à visualização somente na câmera, porque você obtém um feedback muito melhor sobre variações sutis em suas fotos e uma confirmação mais precisa de onde sua profundidade de campo está atingindo. 

Além disso, a clareza de uma grande tela de laptop também oferece a você uma melhor renderização de suas composições, completa com o tratamento de processamento preferencial à medida que cada quadro sai da câmera. a regra principal, porém, é sempre começar com a luz – não importa quão interessante seja a comida se você não tiver boa luz. Apontar para luz suave, abundante, em ângulo. 

À medida que muda a sua perspectiva, também pode alterar o seu ângulo de luz – tal como adicionar sal e pimenta para temperar um prato, alterando o ângulo para ajustar a sensação da fotografia. 

A fotografia de viagem é um gênero atraente. O pensamento de ser pago para explorar e descobrir o mundo é aquele que a maioria dos fotógrafos tem entretido. Neste artigo, falo sobre uma verdade incômoda sobre fotografia de viagem e apresento sete dicas baseadas nessa verdade.

Eu sou fotógrafo de viagens em tempo integral há mais de cinco anos. Minha renda é baseada em clientes que me pedem para criar imagens atraentes de destinos em todo o mundo, que meus clientes usam para fornecer um melhor serviço aos seus clientes. 

Eu não ganho dinheiro com mídias sociais depois ou de workshops e visitas fotográficas. Eu faço essa distinção porque o tema deste artigo se aplica especificamente à fotografia de viagens comerciais.

Parece quase semanalmente encontrar um fotógrafo cujo trabalho é fenomenal. Eu olho para o portfólio deles e quero esconder o meu. Seu trabalho é cheio de lugares exóticos em perfeita luz atmosférica. 

No entanto, apesar disso, a conversa envolve-me dando-lhes conselhos sobre como fazer uma carreira fora da fotografia de viagem. Eles têm o portfólio bonito, mas eu tenho o trabalho.

Deserto exótico em luz atmosférica? Este é o Richmond Park, um Royal Park dentro do limite de Londres.

Eu me lembrei desse fenômeno depois de recentemente descobrir a conta do Instagram de Marc Adamus. Foi o trabalho de Adamus que primeiro me deu o impulso de fotografar paisagens há quase 14 anos. 

Ele saía da grade por meses a fio, explorando lugares que ninguém jamais havia visto em fotografias. 

Seu trabalho foi fenomenal e inspirou uma geração de fotógrafos de paisagem. Ao descobrir sua conta no Instagram, fiquei feliz em dizer que nada mudou. Se alguma coisa, seu trabalho é ainda mais forte. 

Eu achei sua declaração bio particularmente interessante: “Minha paixão é levar as pessoas para os melhores locais de fotografia que você nunca viu.”

Adamus faz uma grande parte de sua renda liderando tours de fotografia, e que tours incríveis eles parecem ser. Aviões, helicópteros, guias de montanha especializados – não há nada mais aventureiro do que isso!

Então penso no meu corpo de trabalho que é principalmente centros urbanos e assuntos para os quais você pode dirigir. Uma parte de mim quer jogar fora a tag “travel photographer” que eu passei. 

Eu tenho que me lembrar que o principal trabalho de um fotógrafo de viagens é criar imagens que gerem interesse em um destino, e não explorar destinos nunca vistos.

Morden Hall Park, uma propriedade histórica a 10 minutos a pé da minha casa.

Quando comecei a viajar em todas as oportunidades com minha esposa há 10 anos, nós nos revezávamos na escolha dos destinos. Minha lista dizia Islândia, Noruega e as Ilhas Faroe. 

Ela leu a Riviera Francesa, Paris e Toscana. Nós fotografávamos nossas viagens como se fossem atribuições e então vendíamos as imagens através do Getty como estoque. 

As imagens da lista da minha esposa superam as imagens da minha lista na proporção de 10: 1. Isso apesar do fato de que as imagens da minha lista eram menos comuns e mais difíceis de criar.

Desde que comecei a fazer sessões de fotos comissionadas, apenas 1 nos últimos 5 anos foi para um deserto frio, e foi a Islândia, um país que experimentou um boom contínuo de turismo nos últimos 10 anos.

Como fotógrafo, estou pessoalmente interessado em uma vida selvagem fria e o trabalho de Adamus me obriga a visitar esses lugares, mas a lista de minha esposa é muito mais representativa do que a maioria das pessoas gostaria de visitar.

 Nesses locais, há uma próspera indústria de viagens; a indústria que encomenda fotografias de viagens. A verdade incômoda sobre a fotografia de viagem é que a maior parte do trabalho ocorre em locais bem trilhados que exigem pouca ou nenhuma exploração.

Fui contratado para fotografar o London Eye em 6 ocasiões diferentes. É uma das atrações mais visitadas de Londres e é por isso que há uma demanda constante por imagens dela.

Isso significa que posso subir em um trem e fotografar o Big Ben 30 minutos depois e haverá mais demanda dessas fotografias do que fotografias de alguém que caminhou por montanhas cobertas de neve durante semanas para estar no verdadeiro deserto.

O Que Isso Significa Para Fotógrafos De Viagem Aspirantes

Mantendo este princípio em mente, existem algumas lições-chave para fotógrafos de viagem aspirantes.

1. Pense cuidadosamente sobre o trabalho que você mostra em seu portfólio. Se você quiser trabalhos de fotografia comercial, deve mostrar o trabalho que a indústria de viagens poderia usar para promover seus negócios.

2. Fotógrafos são atraídos para lugares porque eles fazem para fotografias interessantes. Essa não é a principal força motriz para a maioria das pessoas que viajam.

3. Aspirantes a fotógrafos de viagens gastam muito tempo, dinheiro e esforço para mostrar algo que não foi visto antes. A fotografia comercial é mais sobre apresentar um assunto familiar de uma maneira diferente.

Surpreende as pessoas saberem que o Templo Neasden está localizado em Londres. É uma maneira diferente de mostrar uma cidade muito conhecida.

4. Alguns fotógrafos acreditam que a fotografia de viagem é uma das férias sem fim. Embora seja uma carreira divertida e recompensadora, não há uma sobreposição perfeita do que você está autorizado a fotografar versus o que você deseja fotografar.

5. A empatia é uma das características mais valiosas que um fotógrafo de viagens deve desenvolver. Um fotógrafo jovem e solteiro precisa ser capaz de olhar para uma atração e identificar por que ela atrairá uma família.

6. Um fotógrafo comercial de sucesso irá desenvolver uma especialidade que funciona dentro dos centros urbanos. Por exemplo, muitos fotógrafos de viagens também são fotógrafos de alimentos. 

Pessoalmente, eu sou um fotógrafo de arquitetura e me concentrar em design e arquitetura dentro de ambientes urbanos é minha especialidade.

7. Use sua paixão pela exploração e aventura para romper com a rotina para manter seu trabalho interessante. Por exemplo, depois de três sessões comerciais em centros urbanos, faça uma pausa fotografando em algum lugar remoto nas montanhas.

Lembro-me de um editor de fotos apontando-me para esta lição quando comecei a viajar. Ela disse que as pessoas estariam mais interessadas em uma história sobre lojas de livros peculiares em Londres do que em vistas de tirar o fôlego do Himalaia. 

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Com a virada do ano se aproximando, muitas pessoas aproveitam para registrar as festividades. Confira nossas dicas para não ficar na mão e descubra como fotografar fogos de artifício.

Equipamento

Antes de mais nada, recomendo o uso de um tripé, já que você não vai querer ficar limitado a baixos tempos de exposição. O tripé impede que sua câmera se mova durante as fotos e resulte em imagens borradas.

Um controle remoto também é recomendado pelo mesmo motivo (evita que a câmera trema ao apertar o botão). Não há uma lente certa para fotografar fogos, pois isso varia de acordo com a abertura desejada para as fotos e distância do fotógrafo. Sugiro lentes com zoom pela sua versatilidade (minha escolha pessoal é uma 55-200).

Preparação

Chegue cedo. Um bom lugar é importante, já que você não quer ser bloqueado por uma cabeça ou uma árvore na hora das fotos. Com lentes mais abertas, a escolha do local também pode servir para compor o cenário das fotografias.

Certifique-se de que há bateria na câmera e espaço no cartão de memória (aliás, nunca me arrependi de carregar baterias e cartões sobressalentes para onde quer que seja). Tente conseguir uma boa posição em relação ao vento para que a fumaça que sai dos fogos não entre no caminho da sua foto.

As Fotos

Para começar, desligue o flash. Isso pode parecer óbvio para alguns, mas não custa lembrar. Um longo tempo de exposição será necessário, pois o ideal é fotografar durante toda a duração da explosão.

Para isso, verifique se a sua câmera tem o modo BULB, no qual você pode selecionar o tempo de exposição segurando o botão pelo tempo que quiser. Como na maioria dos casos, o ideal é fotografar na melhor qualidade possível (ou seja, RAW).

Utilize um ISO baixo (recomendo 100 ou 200) para evitar imagens borradas (não há problema em fazer isso, já que o tempo de exposição será longo). Sobre o balanço de brancos, evite o automático, que irá deixar as cores dos fogos acinzentadas.

Normalmente o modo daylight (luz do dia) faz um bom trabalho em capturar as cores fielmente. Por fim, utilize o foco manual (sim, isso mesmo) e próximo do infinito, já que a opção de foco automático irá buscar pontos focais durante a noite inteira, causando atraso nas fotos e gastando a bateria da câmera.

Lembre-se que fotografar fogos de artifício requer prática e paciência, então é importante não desanimar se as primeiras fotos não ficarem tão boas.

Se você é iniciante ou mais experiente em fotografia, aqui estão algumas de nossas dicas favoritas que ajudarão você a melhorar sua fotografia!

A trepidação da câmera ou o borrão é algo que pode atormentar qualquer fotógrafo e aqui estão algumas maneiras de evitá-lo.

Primeiro, você precisa aprender a segurar sua câmera adequadamente; use as duas mãos, uma ao redor do corpo e outra ao redor da lente e segure a câmera perto do corpo para ter apoio.

Além disso, para fotografar com a mão, verifique se você está usando uma velocidade do obturador que seja apropriada para a distância focal da sua lente. 

Se a velocidade do obturador for muito lenta, qualquer movimento não intencional da câmera fará com que toda a sua foto fique desfocada. 

A regra básica é não gravar em uma velocidade de obturador que seja mais lenta que sua distância focal para minimizar esse problema:

1 / Distância Focal (em mm) = Velocidade Mínima do Obturador (em segundos)

Portanto, como exemplo, se você estiver usando uma lente de 100 mm, a velocidade do obturador não deverá ser inferior a 1/100 de segundo.

Use um tripé ou monopé sempre que possível.

Você está confuso com alguma terminologia? Você quer controlar facilmente sua câmera e finalmente se livrar da confusão sobre a distância focal, abertura, velocidade do obturador e outras configurações?

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3- Aprenda A Usar O Triângulo De Exposição

Para que suas fotos tenham o melhor aspecto em termos de exposição e aparência geral, você precisa dominar os três princípios básicos: Abertura, Velocidade do obturador e ISO.

Você também precisa entender as relações entre esses três controles. Quando você ajusta um deles, você normalmente teria que considerar pelo menos um dos outros para obter os resultados desejados.

Usar o modo automático cuida desses controles, mas você paga o preço de não conseguir que suas fotos tenham a aparência desejada e, muitas vezes, sejam decepcionantes.

É uma idéia melhor aprender como usar os modos de prioridade de abertura ou de prioridade de obturador e, finalmente, gravar no modo Manual.

4- Use Um Filtro Polarizador

Se você puder comprar apenas um filtro para sua lente, faça um polarizador.

O tipo recomendado de polarizador é circular porque permite que sua câmera use a medição TTL (através da lente), como a exposição automática.

Este filtro ajuda a reduzir os reflexos da água, bem como metal e vidro; melhora as cores do céu e da folhagem e ajudará a dar às suas fotos o fator WOW. Ele fará tudo isso enquanto protege sua lente. Não há motivo para você não poder deixá-lo em todas as suas fotos.

5 – Crie Um Senso De Profundidade

Ao fotografar paisagens, ajuda muito criar uma sensação de profundidade, em outras palavras, fazer com que o espectador se sinta como se estivesse lá.

Use uma lente grande angular para uma vista panorâmica e uma pequena abertura de f / 16 ou menor para manter o primeiro plano e o fundo nítidos. Colocar um objeto ou pessoa no primeiro plano ajuda a dar uma noção de escala e enfatiza a distância.

Use um tripé, se possível, como uma pequena abertura geralmente requer uma velocidade mais lenta do obturador.

6 – Use Fundos Simples

A abordagem simples é geralmente a melhor em fotografia digital, e você tem que decidir o que precisa ser na tomada, sem incluir nada que seja uma distração.

Se possível, escolha um plano de fundo simples – em outras palavras, cores neutras e padrões simples. Você quer que o olho seja atraído para o ponto focal da imagem, em vez de uma mancha de cor ou um edifício estranho no fundo. Isso é especialmente vital em uma cena em que o modelo é colocado fora do centro.

7 – Não Use Flash Dentro De Casa

O flash pode parecer áspero e não natural especialmente para retratos internos. Portanto, existem várias maneiras de capturar uma imagem em ambientes internos sem recorrer ao flash.

Primeiro, empurre o ISO para cima – normalmente ISO 800 a 1600 fará uma grande diferença para a velocidade do obturador que você pode escolher. Use a abertura mais ampla possível – assim, mais luz alcançará o sensor e você terá um belo fundo desfocado. Usar um tripé ou uma lente IS (Estabilização de Imagem) também é uma ótima maneira de evitar o desfoque.

Se você precisar usar o flash, use um flash com uma cabeça que possa girar e aponte a luz para o teto em um ângulo.

8 – Escolha o ISO Certo

A configuração ISO determina a sensibilidade da sua câmera e também a granularidade da sua imagem.

O ISO que escolhemos depende da situação – quando está escuro, precisamos empurrar o ISO para um número maior, digamos qualquer coisa de 400 – 3200, pois isso tornará a câmera mais sensível à luz e, em seguida, podemos evitar o desfoque.

Em dias de sol, podemos escolher ISO 100 ou a configuração Auto, pois temos mais luz para trabalhar.

9 – Pan Para Criar Movimento

Se você quiser capturar um assunto em movimento, use a técnica de panoramização. Para fazer isso, escolha uma velocidade de obturador em torno de dois passos abaixo do necessário – então para 1/250, escolheríamos 1/60. Mantenha a câmera no assunto com o dedo na metade do caminho para baixo para travar o foco e, quando estiver pronto, tire a foto, lembrando-se de segui-la enquanto ela se move.

Use um tripé ou monopé, se possível, para evitar a trepidação da câmera e obter linhas de movimento claras.

10 – Experimente Com A Velocidade Do Obturador

Não tenha medo de jogar com a velocidade do obturador para criar alguns efeitos interessantes.

Ao tirar fotos noturnas, use um tripé e tente fotografar com a velocidade do obturador ajustada em 4 segundos. Você verá que o movimento do objeto é capturado junto com algumas trilhas leves. Se você escolher uma velocidade de obturador mais rápida de 1/250 de segundo, as trilhas não serão tão longas ou brilhantes; em vez disso, você congelará a ação.

Tente fotografar outras composições com objetos ou fundos em movimento, como ondas em uma praia, multidões de pessoas caminhando, carros pendulares, com diferentes velocidades de obturador para capturar movimento borrado ou instantâneos que congelam tudo nitidamente no tempo.

Sempre que utilizar velocidades lentas do obturador para borrar o movimento, é fundamental que a câmera esteja estabilizada para eliminar a trepidação da câmera.

DICA BÔNUS: Invista mais no aprendizado (e menos na engrenagem)

Se você está pensando em gastar milhares em novas câmeras e lentes, pense duas vezes.

Muitos acabam decepcionados com seus novos brinquedos brilhantes que não produzem o fator “uau” que eles estavam esperando.

Você pode tirar fotos incríveis das quais se orgulhará, mesmo com uma modesta câmera digital equipada com sua lente zoom padrão. Mas você não pode tirar ótimas fotos sem entender o básico.

É por isso que é essencial dominar a composição e a luz antes de gastar qualquer coisa em novos equipamentos.

Dupla Exposição

As novas DSLR profissionais conseguem tirar fotos em dupla exposição como fazíamos  (a ainda fazemos) com câmeras analógicas.

Mas ao usarmos um sensor no lugar de um filme fotográfico, as possibilidades são maiores, e alguns fotógrafos já estão tirando vantagem disso para criar trabalhos incríveis como este:

Com a câmera

Sara K Byrne, americana,  fotografa de casamentos e retratos, descobriu essa técnica de dupla exposiçãoexperimentando com a sua Canon 5D mk III. Algumas outras câmeras que podem fazer dupla exposição são: Canon 1D X, Canon 6D, a maioria das Nikon DSLRs, Fujifilm X Pro1, Fujifilm X100S, Olympus OM-D E-M5. Mas estas não são todas, consulte o manual da sua câmera caso ela não esteja nesta lista.

Como a própria Sara diz, não há regras o segredo é experimentar, tentativa e erro:

No Photoshop

Infelizmente alguns de nós não podemos fazer dupla exposições com as nossas câmeras, para isto existe outro método  para fazer fotos assim, usando o Photoshop. É possível e também muito fácil.

Para começar tire duas fotos seguindo as instruções do vídeo acima (ambas com o fundo totalmente branco). Sobreponha as imagens no Photoshop e mude o Blending Mode da camada superior para Screen, depois aplique: Camada de ajuste P&B, Ajuste de Curva, uma camada de Ajuste de Saturação e Tons e pronto! Tenho certeza que existem outros caminhos a seguir usando o Photoshop, experimente!
E é claro, não vamos esquecer que sempre podemos recorrer à boa e velha câmera analógica. 

Uma vez que uma família dá a luz aquele montinho de felicidade, tudo o que eles querem é compartilhar com o mundo as boas novas. Hoje em dia todo mundo tem acesso a Facebook, Twitter, Instagram e outras redes sociais, mas é muito importante ter um fotógrafo qualificado, que sabe a hora certa de fotografar bebês.

Você sabe qual é o período ideal para fotografar um bebê? É até os 3 meses de vida! apesar de termos muitos fotógrafos no mercado, poucos são realmente especializados em fotografia de recém nascidos?

Nem todo mundo sabe que existem algumas vantagens em fotografar bebês ainda nesta fase, então se seus clientes estão tendo duvidas, ou precisam de algum encorajamento, seguem alguns fatos interessantes que podem ajudar a convence-los:

• Nas primeiras semanas de vida a maioria dos bebês costumam dormir por mais tempo e mais profundamente;
• Nas primeiras duas semanas após o nascimento, eles ainda mantém a posição fetal, o que facilita muito coloca-los em posições diferentes;
• Os pequenos detalhes, pezinhos, mãozinhas, dedinhos são os mais lembrados pelos pais e os menos fotografados;
• Sessões de fotografia com recém nascidos tendem a durar de 3 a 4 horas, tempo suficiente para alimentar o bebê, faze-lo dormir e começar a fotografá-lo;
• Para fotografar recém nascidos, se exige muita paciência e empenho, o fotógrafo deve esforçar-se para conseguir captar o maior número de poses e fotos necessárias, isso pode levar muito tempo, o que significa que sessões assim às vezes não tem hora para acabar;

Novas técnicas, melhores softwares e equipamento estão aumentando muito as possibilidade no mundo da fotografia, e com a Fotografia Newborn não é diferente, vale a pena inovar e aprender com as novas tendências que estão produzindo trabalhos incríveis.

Selecionamos alguns trabalhos muito legais que mostram como dá pra se explorar toda a fofura dos recém-nascidos em fotos bem originais. Para mais inspiração ou informações sobre os autores é só clicar nas fotos.

O fotografo Martin Gommel postou em seu blog uma lista de 100 dicas de fotografia que aprendeu ao longo dos anos. A lista é muito interessante, inspiradora e educativa tanto para quem está começando quanto para os fotógrafos mais experientes:

1. Nunca fotografe com a intenção de ficar famoso.
2. Curta o que você está fotografando.
3. Prepare-se, carregue as baterias no dia anterior e confira se o cartão de memória está vazio e na câmera.
4. Sempre leve um casaco.
5. Preste atenção aos seus pensamentos e emoções quando estiver fotografando.
6. Tenha metas que você possa cumprir.
7. Escreva dicas de fotografia, porque escrever também é aprender.
8. Nunca saia para fotografar sem um tripé, sua mão nunca será mais firme do que ele.
9. Fique satisfeito com as pequenas evoluções.
10. Faça amizade com outros fotógrafos.
11. Primeiro observe com o coração, depois com a câmera.
12. Sempre fique calmo.
13. Aceite e reconheça que você costuma se superestimar.
14. Perspectiva é o segredo.
15. Dedique-se a fotografia, e nunca se intimide, não há nada que você não possa aprender.
16. Participe de fóruns e comunidades sobre fotografia.
17. Mantenha sua câmera limpa.
18. Nunca se compare a outros, melhores ou piores.
19. Encontre o seu estilo e o desenvolva.
20. Tente compor mais e disparar menos.
21. Procure e aceite criticas sobre suas fotos.
22. Faça algo diferente para renovar a sua criatividade.
23. Inspire-se no trabalhado de outros fotógrafos.
24. Critique honestamente, mas com respeito.
25. Peça a opinião do seu namorado, namorada e familiares.
26. Não copie o estilo de outros fotógrafos.
27. Seja ousado.
28. Preste atenção a proporção áurea.
29. 50mm  rocks!
30. Tire auto-retratos.
31. Leia livros sobre fotografia.
32. Tente melhorar sua fotos de paisagens, inclua uma pessoa (talvez você).
33. Toda sessão de fotos será diferente do que você espera (melhor, pior ou apenas diferente).
34. Preste atenção as curvas e linhas em S.
35. Sempre fotografe em RAW.

Final de tarde em Londres

36. Mantenha o sensor limpo, assim você economiza tempo na edição.
37. Descubra as coisas que você acha atraente.

Estacão de metro em Londres

38. Leva tempo para tornar-se um bom fotografo (mais do que você imagina).
39. O melhor equipamento é o que você tem.
40. Você pode tirar fotos de tudo.
41. Conheça e quebre as regras.
42. Preste atenção aos diferentes tipos de luz nas partes diferentes do cenário.
43. Os olhos sempre se movem para o ponto de mais contraste.
44. Nuvens aumentam a atmosfera das paisagens.
45. Comece um Blog.
46. Aceite elogios e sempre agradeça.
47. “Que foto bonita” não é o melhor comentário.
48. “Incrível” também não é muito útil.  Tente ser mais específico, diga algo sobre o que você gosta ou não em uma foto.
49. Você não é a sua câmera.
50. Faça uma pergunta no final da descrição de sua foto para iniciar uma discussão.
51. Volte regularmente as suas fotos antigas, quando mais fotografar mais gemas escondidas por lá você vai encontrar.
52. Sempre deixe claro qual é o ponto de principal (que atrai o olhar) da sua foto.
53. Nenhuma imagem é melhor que a outra.
54. Todo mundo tem que começar pequeno.
55. A sua opinião sobre fotografia é importante.
56. Deixe comentários engraçados, mas com significado.
57. Fale sobre as suas experiências com seus amigos fotógrafos.
58. Concentre-se no seu objetivo.
59. Participe de concursos.
60. Edição = melhorar a sua imagem para um resultado melhor.
61. Tente fotografar mais em modo manual.
62. Use HDR somente quando for extremamente necessário.
63. Sempre  lembre-se do que você aprendeu.
64. Nunca fotografe alguém que não que ser fotografado.

65. Sempre olhe para todos os lados, as vezes a melhor imagem está atrás de você.
66. A foto é quem está atrás da câmera, e não a câmera.
67. Erros são permitidos. Quando mais erros, mais você aprenderá!
68. Quando você tiver uma ideia e logo em seguida pesar “hmm, não vai ficar bom”, faça mesmo assim. Se tiver em dúvida sempre fotografe.
69. Entenda e use o Histograma, ele contém informações muito importantes sobre a sua foto.
70. Conheça a sua câmera.
71. Fotografe sempre que puder.
72. Acredite em você mesmo.
73. Não tenha medo de se sujar.
74. Preste atenção na qualidade da imagem.
75. Sua fotografias são um reflexo da sua personalidade (por isso não copie o trabalho de outros).
76. Revise as configurações da câmera antes de fotografar.
77. Agradeça mais profundamente comentários e criticas longas sobre sua foto.
78. Nunca confio no visor LCD da sua câmera, nele a imagem sempre é mais brilhante e nítida.
79. Invista em baterias e catões de memória para diminuir suas limitações.

80. Aprenda a apreciar momentos agradáveis quando a sua câmera não estiver com você.
81. Sempre chegue no mínimo meia hora antes do pôr ou nascer do sol para compor a sua foto.
82. Tente aumenta o seu limite físico e mental. Tire mais algumas fotos quando você pensar “é o suficiente”.
83. Preste atenção as formações das nuvens, e se possível espere até que se encaixem perfeitamente  na sua composição.
84. Visite os mesmo lugares sempre que possível, a luz nunca é mesma.
85. Imprima sua imagens no tamanho de posteres. Você vai adorar!
86. Calibre o seu monitor. Trabalhar com um monitor descalibrado é como estar com alguém que você não confia, nunca acaba bem.
87. Não se importe muito com o que outros pensam sobre sua foto, e importante é a sua satisfação (mas sempre tente melhorar).
88. Nunca de broncas em você mesmo. Aprenda com seus erros, olhe sempre pra frente e nunca pra trás.
89. Lute contra a sua preguiça. A criatividade começa com disciplina.
90. Pergunte-se: O que eu quero transmitir com minhas fotos?
91. Sempre tente inovar, junte idéias novas sobre fotografia que te fazem perguntar: porque não?
92. Procure alguém que possa te ensinar e dar dicas.
93. Fotografia nunca é uma perda de tempo.
94. Sempre existirão pedras no caminho, não desanime.
95. Sempre haverá pessoas que não gostam do que você está fazendo.
96. Henri Cartier-Bresson estava certo quando disse “Suas primeiras 10,000 fotos serão as suas piores”.
97. Uma câmera melhor não significa melhores fotos.
98. Sempre tenha impressão em mente quando estiver editando sua fotos.
99. A fotografia é justa, suas melhores fotos sempre terão mais reconhecimento.
100. Escreva sua própria lista de 100 coisas que você aprendeu durante sua jornada fotográfica.

Fonte: Kwerfeldein

Fotografias Slow Sync Flash são feitas combinando o disparo do flash com uma velocidade baixa de disparo na câmera. Em câmeras compactas esse efeito acontece muitas vezes acidentalmente quando você usa o modo noturno (night mode), por não ser possível controlar a velocidade do obturador ou a potência do flash.

Mas em grande parte das DLSR, que possibilitam controle total da câmera e flash, é possível simular facilmente este efeito e produzir fotos sensacionais.

Com o Slow Sync Flash você vai poder fazer fotografias incríveis capturando objetos em situações de pouca luz, vai conseguir dar mais “realismo” em cenas de ação e e também dar maior sensação de movimento ao tema da sua foto.

Preciso De Um Tripé ?

Normalmente quando trabalhamos com baixa velocidade de disparo, usamos um tripé. Entretanto, sincronizar o flash na primeira ou segunda cortina e usar a câmera sem tripé pode criar resultados muito interessantes. Principalemente quando o fundo tem várias fontes de luz diferentes.

O Que é E Qual A Diferença Entre Segunda E Primeira Cortina (Rear And Front Sync)?

Ao sincronizar o flash para  a Segunda Cortina (Rear Sync), você fará com que ele dispare somente no final da exposição. Por exemplo, digamos que você tenha escolhido uma exposição de 1 segundo e o flash em Segunda Cortina, quando o obturador abrir, a câmera vai capturar a luz ambiente por 0,59 segundos, disparar o flash, e fechar o obturador.

Durante o espaço de tempo entre a abertura do obturador e o disparo do flash, todo o movimento da câmera ou dos modelos vão se transformar em rastros de luz na imagem produzida.

Já a sincronização na Primeira Cortina  (Front Sync)funciona ao contrário, o obturador abre, o flash dispara quase que ao mesmo tempo e a câmera continua capturando a luz ambiente até o obturador fechar novamente. Cada situação de luz vai produzir um resultado diferente.

Como Isso Ajuda A Fotografar Cenas De Ação?

Ao disparar o flash em um objeto em movimento (como um carro, por exemplo), toda a imagem se congela, o objeto é capturado mas todo a sensação de movimento desaparece. Porém, se combinarmos o flash com longas exposições podemos capturar a sensação se movimento e ainda deixar o modelo/assunto nítido. 

Essa técnica é ideal para capturar cenas de carros, bicicletas e até crianças ou animais brincando. Experimente usando a primeira e segunda cortina, e diferentes tempos de exposição.

Faça algumas fotos com Slow Sync Flash e depois conte pra gente como foi!

A agência de mídia digital Blue Chalk recentemente fez uma parceria com o fotógrafo da National Geographic e atleta da North Face Cory Richards, para criar um vídeo inspiracional chamado “Um Tributo ao Desconforto”.

O vídeo leva você através do trabalho de Richards, de seu trabalho deslumbrante, de seu senso de humor único e de sua busca por criar fotografias que retratam o espírito humano. É uma daquelas coisas que nos faz pensar, “como tirar fotos perfeitas assim?”

Com certeza não existe uma resposta exata pra esta pergunta, mas tenho certeza também que ao terminar de assistir o vídeo você sentirá aquela vontade de pegar sua câmera, e embarcar no primeiro avião em direção a uma aventura em busca da foto perfeita.

 *O vídeo não possui legendas mas abaixo do vídeo você encontra uma transcrição.

Eu acredito que aventura é tudo aquilo que nos tira da nossa zona de conforto. No meu mundo, isso sempre significou ir até as montanhas.

Em 2010, 2011, eu fui ao Paquistão escalar durante o inverno no Himalaia. Nós fizemos a primeira subida ao Gasherbrum II, um pico com 8.000m no coração do Himalaia, e essa viagem mudou a minha vida pra sempre. Na descida nós fomos atingidos por uma avalanche que quase nos matou.

Quando eu percebi que não tinha morrido, eu virei a câmera para mim e tirei uma foto, e essa foto acabou indo parar na capa da revista National Geographic. Eu não tinha como saber naquele momento que aquela fotografia, que foi simplesmente minha forma de lidar com o stress, direcionaria minha vida de forma tão dramática pra contar essa história maior sobre o que é sofrer, o que é triunfar, o que é ser humano.

Eu nunca me senti confortável onde quer que estivesse. Eu não consigo parar e sentar. É um mecanismo constante que continua me levando em direção a coisas desconhecidas. Não importa se eu não consigo sentir meus dedos, não importa se meu rosto arde e literalmente sinto como se estivesse sendo ‘jateado com areia’. O que importa é que outra pessoa ter essas sensações olhando pra a foto.

Eu já estive em todos os continentes. Eu já presenciei o nascer do sol nas montanhas mais altas do mundo. Um urso polar parado encima do último pedaço de gelo na pedaço de terra mais ao norte da Eurásia. E rostos. Eu vi rostos que representam anos e anos de história contidos em apenas uma expressão.

Eu acho que a intimidade é um trunfo para todos os grandes fotógrafos. A ferramenta mais importante para se conectar com a pessoa que você está fotografando é ser capaz de fazê-la sorrir. Apenas dê a ela esse momento e, de repente, você tem um amigo pra vida. E o mundo todo se abre.

O meu trabalho é comunicar uma experiência real, crua, visceral. E apesar de toda a seriedade, apesar de estarmos enfrentando tantos problemas como humanos, nós ainda estamos experimentando uns aos outros, e amando e nos divertindo muito. O que eu quero dizer, é que a vida é divertida.

Isso começou como uma forma de comunicar o que eu estava experimentando, e o que se tornou foi uma forma de comunicar o que nós estamos experimentando.