A fotografia de alimentos é um gênero fácil de ignorar, mas é um campo que oferece uma enorme quantidade de possibilidades criativas, sem escassez de assuntos atraentes, variados e coloridos.
Ele também oferece a possibilidade de capturar imagens de comida profissionalmente, como cozinhar e assar são passatempos imensamente populares, e há uma demanda constante por imagens para revistas, livros e sites.
No entanto, para obter sucesso na fotografia de alimentos, você precisará de uma boa compreensão da teoria e das técnicas envolvidas, e terá que estar preparado para praticar – como acontece com outros tipos de fotografia, é mais complicado do que parece.
A fotógrafa profissional de alimentos Ewen Bell explora os equipamentos e as principais técnicas que você precisa para fotografar imagens culinárias bem-sucedidas, além de compartilhar alguns truques do comércio.
(Imagem: © Ewen Bell)
1. Trabalhe Com Boa Luz
O erro mais comum é tentar fotografar alimentos bonitos com pouca luz. Câmeras veem luz, não assuntos, mesmo quando esse assunto é delicioso!
A fotografia de comida sempre começa com a luz. A luz perfeita é suave, abundante e angulada. Você quer muita luz para brincar, mas você definitivamente não quer que a luz solar direta flua para a cena; é muito duro e muito contrastante. A melhor mesa do restaurante tem o assento da janela, com luz do dia brilhante do lado de fora e apenas a luz filtrada que passa.
Este cenário transforma a janela em uma grande caixa de luz, enchendo a mesa com luz útil que oferece uma variedade de ângulos de disparo. O ponto de partida é atirar em um ângulo ao longo da fonte de luz. Esse ângulo dá contraste suficiente para revelar detalhes na cena e traz as cores.
Você não precisa preencher o lado oposto da cena com uma placa de rejeição ou flash de preenchimento, porque você pode iluminar áreas subexpostas das imagens brutas ao processar os arquivos – geralmente é mais rápido e preciso ajustar os arquivos raw do que tentar obtê-lo perfeito na câmera.
Conforme você altera seu ângulo, cria uma qualidade de luz diferente para a cena. Quanto mais você atira na luz, mais contraste e drama você constrói. A riqueza de cores é reduzida, os negros são endurecidos e algumas áreas podem até explodir, e isso é aceitável com o propósito de estilo, se drama é o que você está procurando.
Alternativamente, quando você muda seu ângulo para ter a luz vindo um pouco mais atrás de você, a cena se enche mais e o contraste se achata. Ao controlar o ângulo em que você fotografa em relação à janela, você controla o contraste e a cor também – mesmo quando a luz é muito, muito suave.
Não importa quão incrível sua comida pareça em um prato se a luz não estiver funcionando para você – boa comida em luz ruim faz fotos malsucedidas. Na luz certa, por outro lado, quase qualquer cena pode parecer convidativa.
2. Editando Suas Fotos
O tratamento dos seus arquivos RAW é tão importante quanto a filmagem. As cores mais naturais geralmente resultam da falta de saturação, ou até mesmo de puxar um pouco para trás; Se você está lutando com o equilíbrio de cores, é provável que você tenha a saturação discada muito alto.
Em uma luz muito plana, você pode precisar aumentar um pouco o contraste para dar uma dureza às bordas – adicionar contraste apenas na ponta preta do histograma ajudará a preservar os tons em outras partes da cena.
Além disso, detalhes de sombra podem ser levantados para equilibrar a cena. Certifique-se de usar ajustes seletivos para adicionar exposição ou mais detalhes de sombra, se os elementos críticos forem perdidos na sombra.
(Imagem: © Ewen Bell)
3. Considere Flash
O problema de confiar na luz natural ao fotografar alimentos é que nem sempre é natural. Os moldes de cores podem ser lançados em toda a cena por árvores externas, as luzes internas podem adicionar pontos coloridos à sala e o movimento das nuvens ao longo do dia pode causar mudanças drásticas no contraste e nas temperaturas da cor.
Você nunca conseguirá uma luz branca agradável e limpa, a menos que você a traga. O equipamento de flash trará consistência à sua fotografia e reduzirá o esforço de processamento. Strobes confiáveis fornecem a cor e a quantidade exata de luz de um quadro para o outro.
Se você estiver gravando conteúdo em vários dias, mas precisar que a aparência de cada quadro seja consistente, o flash do estúdio é o caminho a ser seguido.
Uma grande caixa de luz é necessária, alimentada por uma fonte de luz com capacidade suficiente. 100W de flash é mais que suficiente para filmar uma cena de mesa e extrair momentos de inspiração dentro dela.
Os flashguns movidos a bateria podem fazer o trabalho, mas você queimará as baterias e elas serão dolorosamente lentas para regenerar à medida que a energia for drenada. Pelo mesmo preço que um flash decente, você pode comprar kits monobloco que oferecem uma unidade plug-in com um receptor embutido; basta ligar à corrente eléctrica e encaixar a unidade de gatilho na sua câmara e está pronto para o fazer.
Uma fonte de luz confiável é essencial, e por isso é importante considerar como você deseja moldar a luz. Softboxes para fotografia de alimentos devem ser muito grandes e oferecer grandes quantidades de difusão interna. Você precisa colocar o softbox perto da cena, o mais próximo possível para manter a luz o mais difusa possível.
Se suas caixas de modelagem de luz não forem suaves o suficiente, e muito contraste estiver chegando à cena, basta adicionar uma tela de difusão adicional entre a comida e o flash.
(Imagem: © Ewen Bell)
4. Pare O Movimento
Bloqueie a câmera em um tripé e bloqueie o foco e a exposição – você precisa que estes sejam os mesmos para todas as cenas. Faça pequenos ajustes entre os quadros para imitar uma cena em movimento.
Processe os arquivos brutos com perfeição antes de produzir os quadros individuais, depois traga as fotos para a ferramenta de edição de vídeo e use transições suaves para suavizar o movimento.
(Imagem: © Ewen Bell)
5. Toda A Magia Acontece A 50Mm
Estreitar o campo de visão com uma lente telefoto também pode ser um problema. Comprimentos focais mais longos, como 100 mm, comprimem a cena – você pode perder a sensação de profundidade e suas composições podem parecer planas.
Lentes mais longas também criam problemas logísticos quando você está trabalhando em espaços confinados, pois você pode não ter espaço para recuar o suficiente para um tiro.
Tudo funciona muito melhor quando você começa com 50mm. Se você está fotografando em um sensor full-frame, a outra vantagem de 50mm é que existem muitos primos acessíveis no mercado.
Uma abertura de f / 2 é ideal, e é tentador usar um 24-70mm f / 2.8 se você já tiver um, mas então você não estará aproveitando o efeito total de uma lente prime em f / 2 – e você também tem que lidar com uma lente grande e desajeitada que pode ser um obstáculo ao seu processo criativo.
A lente equivalente para câmeras APS-C é de 35mm f / 1.4, ou para câmeras de micro quatro terços, 25mm f / 1.4. quanto menor o sensor da sua câmera, maior a profundidade de campo que você obtém em um determinado f-stop, então você pode querer experimentar ir até f / 1.4 em vez de f / 2 com esses corpos de câmera menores. A diferença entre f / 2 e f / 2.8 é significativa para o bokeh de fundo e é ainda mais pronunciada em f / 4.
Filmar superficialmente significa chamar a atenção para um elemento da cena, e o grau em que você derrete o resto da cena é essencial para a sua composição.
Sua profundidade de campo se expande à medida que você se afasta do objeto também, então quanto maior a cena que você fotografa a 50 mm, mais ao sul você pode ter que soltar o f-stop para obter o grau desejado de desfoque.
Fotografar em f / 4 pode parecer dramático quando seu quadro é do tamanho de uma xícara de chá, mas oferece impacto zero quando você recua para capturar uma configuração de tabela completa.
(Imagem: © Ewen Bell)
6. Considere escala
O truque para construir composições mais ricas e detalhadas com vida e comida é dar um passo atrás e trazer mais para o quadro, não menos. Não é apenas uma questão de lentes diferentes, é uma perspectiva diferente; Pensar maior é melhor. Ficamos obcecados com o que está no prato, sem perceber que há uma cena maior em oferta.
Ao voltar um pouco, você se vê atirando na mesa, não no prato. Agora você tem opções para suas composições. Recue um pouco mais e você tem um restaurante, não apenas a mesa. Em cada nível de escala, você obtém diferentes opções de composição.
Recuando permite colocar o prato em um contexto maior, com espaço para incluir uma sensação de lugar. Ao trabalhar no estúdio, é um erro comum manter a escala pequena. Limitar-se a uma fração de um banco, ou a um pequeno pedaço de madeira compensada que você pintou para parecer madeira desgastada, está limitando sua criatividade também.
Para grandes resultados, você precisa pensar maior que uma caixa de pão. Expandir a escala de sua zona de tiro também permite que você crie espaço para vários pratos. Uma placa oferece muito menos opções do que duas ou três.
Com múltiplos do mesmo prato em uma mesa ou bancada de estúdio, você cria o potencial para composições em camadas. À medida que você se movimenta, encontra cenas dentro da cena e esses múltiplos de um prato oferecem vários momentos de inspiração.
(Imagem: © Ewen Bell)
7. Inclua Um Pouco De Ação
Além disso, a preparação da comida e as pessoas que a preparam são ótimos elementos para incluir em uma série de fotos. Sujo é mágico; uma sensação do caos em uma cozinha, ou ingredientes em uma bancada, acrescente interesse.
(Imagem: © Ewen Bell)
8. Estilize O Tiro
O estilo é uma habilidade dedicada – em uma sessão comercial, o estilista pode ganhar mais do que o fotógrafo. Estilistas fornecem seus adereços e idéias, e normalmente o conceito das filmagens gerais é mais importante em suas mãos.
O fotógrafo terá que assumir a liderança, manipular a luz a seu favor e garantir que a cena final seja tecnicamente competente.
Como fotógrafo, é uma alegria trabalhar com um bom estilista, porque eles carregam muito da carga criativa. Com o estilista preparando a cena, você é capaz de dedicar sua atenção à tarefa de encontrar a composição ideal – para uma pessoa lidar com a fotografia e o estilo pode ser exigente, já que seu cérebro está pulando entre duas tarefas e você pode não ser capaz de concluir com êxito a sua satisfação.
Eu gosto de ‘filmar a cena’ quando visito um restaurante ou outro local. Peço aos funcionários que ponham as mesas do jeito que fariam para convidados, e que apresentem pratos com vinhos servidos – quero ver como eles apresentam seu trabalho. Com uma mesa completamente vestida, começo a procurar elementos dentro da cena.
Eu busco um ‘herói’ e desenterro composições que puxam através de múltiplos elementos. E então eu poderia começar a estilizar a mesa um pouco – não muito, só um pouco. Eu faço ajustes, removo distrações e adiciono camadas ao plano de fundo. Eu faço isso com fotos de locação e quando trabalho com um estilista no estúdio.
Reunir essas duas abordagens gera diversidade nas imagens que você pode coletar e abre as portas para composições inovadoras que são inesperadamente recompensadoras.
(Imagem: © Ewen Bell)
9. Lembre-Se De Usar Adereços
A chave para um ótimo estilo de comida é ter adereços à mão para complementar a cena. Se você está planejando filmar muito no estúdio, você vai querer começar a colecionar alguns acessórios interessantes para apimentar suas cenas.
Ingredientes para uma receita podem ser usados como adereços, bem como louças e talheres. As pessoas podem agir como adereços também. Pense nas mãos envolvidas na cena, ou talvez a equipe da cozinha manipulando um prato – escalando para filmar mais amplamente, permite espaço para trazer esses acessórios para a composição.
O suporte direito pode adicionar contexto a uma cena, como um pote de chá e xícaras ao lado de uma fatia de bolo. Adereços também podem ser usados para adicionar cuidadosamente cores específicas a uma cena que embeleze o assunto principal.
(Imagem: © Ewen Bell)
10. Assuma O Controle Total
A comida não precisa puxar uma pose ou entregar uma expressão; fica lá e silenciosamente aceita a atenção sem se mover. Dentro dos limites, é claro – tome cuidado com o sorvete, pois ele pode derreter em minutos se você não estiver pronto para o tiro.
A escala e a natureza inanimada da fotografia de alimentos significam que você tem excelentes oportunidades de composição. É um ótimo gênero para explorar o uso da cor, perspectiva e repetição.
Não pense que você precisa de todas as cores do arco-íris presas em um único quadro – em vez disso, tente trabalhar inicialmente com uma paleta de cores limitada e encontre formas de repetir as cores pela cena. E use mais de um prato no seu estilo, aproveitando uma escala maior e idéias maiores.
A fotografia de alimentos se presta a tethered shooting, e é uma boa idéia trabalhar com um laptop e cabo de ligação quando no estúdio ou no local. É uma grande vantagem se comparada à visualização somente na câmera, porque você obtém um feedback muito melhor sobre variações sutis em suas fotos e uma confirmação mais precisa de onde sua profundidade de campo está atingindo.
Além disso, a clareza de uma grande tela de laptop também oferece a você uma melhor renderização de suas composições, completa com o tratamento de processamento preferencial à medida que cada quadro sai da câmera. a regra principal, porém, é sempre começar com a luz – não importa quão interessante seja a comida se você não tiver boa luz. Apontar para luz suave, abundante, em ângulo.
À medida que muda a sua perspectiva, também pode alterar o seu ângulo de luz – tal como adicionar sal e pimenta para temperar um prato, alterando o ângulo para ajustar a sensação da fotografia.
